Was bewegt Menschen dazu, Kunst zu sammeln? Und welche Wege führen sie dorthin?
In unserer Reihe “Sammler*innen im Gespräch” geben Kunstsammler*innen Einblicke in die persönlichen Geschichten hinter ihren Sammlungen. Was hat ihr Interesse an Kunst geweckt? Welche Werke begleiten sie über Jahre hinweg? Und wie prägen Künstler*innen, gesellschaftliche Entwicklungen und individuelle Lebenswege den Blick auf Kunst und das Sammeln?

In dieser Ausgabe sprechen wir mit Öner Kocabeyoğlu, Gründer der Papko Art Collection. Was mit einem einzelnen Werk begann, entwickelte sich zu einer Sammlung moderner türkischer Kunst, die bewusst im internationalen Kontext verortet ist. Kocabeyoğlu interessiert sich insbesondere für Künstler*innen, deren Arbeiten von Migration, kulturellem Austausch und den Verbindungen der École de Paris geprägt sind. Seine Sammlung versteht er als lebendiges Archiv dieser Moderne und als Beitrag zu einem kulturellen Dialog, der über geografische Grenzen hinaus wirkt.

Was hat Ihr Interesse am Sammeln von Kunst geweckt und wie begann Ihre Sammlung?
Es begann mit einem Funken, fast zufällig. Vor Jahren besuchte ich eine kleine Auktion, nicht mit der Absicht zu kaufen, sondern aus reiner Neugier. Dort begegnete ich einem Werk von Selim Turan, einer Schlüsselfigur der modernen türkischen Kunst. Etwas daran sprach mich an, nicht nur ästhetisch, sondern auch emotional. Dieser Moment veränderte alles.
Turans Verbindung von abstrakter Form und kultureller Identität berührte mich unmittelbar. Von dort aus wuchs die Sammlung organisch weiter, getragen von Neugier und dem Wunsch, weitere Künstler*innen zu entdecken, die sich mit ähnlichen Themen auseinandersetzen.

Wie definieren Sie Sammeln und welche Bedeutung hat es für Sie?
Für mich ist Sammeln nicht nur eine Frage des Besitzes. Es ist ein Akt des Bewahrens. Sammler zu sein bedeutet für mich, Kunstwerke zu schützen, die kulturelle, historische und emotionale Bedeutung tragen. Ich sehe darin auch eine Verantwortung, dazu beizutragen, dass diese Werke erhalten bleiben und über Generationen hinweg zugänglich sind.
Gleichzeitig ist Sammeln für mich eine Form des Lernens und der Verbindung. Es bringt mich in Kontakt mit Künstler*innen, mit ihren Geschichten und mit den gesellschaftlichen Kontexten, aus denen ihre Arbeiten entstehen. Und ich glaube, dass eine Sammlung, die nicht gesehen, geteilt und diskutiert wird, schnell zur privaten Selbstgenügsamkeit werden kann. Wenn Kunst nicht zirkuliert, verliert sie ihre kulturelle Wirkung. Deshalb habe ich meine Sammlung stets für Ausstellungen und Leihgaben geöffnet, denn letztlich gehört Kunst allen.

Gibt es bestimmte Themen, Künstler*innen oder Epochen, die Ihre Sammlung prägen?
Ja. Meine Sammlung ist stark von moderner türkischer Kunst geprägt, insbesondere von Werken aus der Mitte des 20. Jahrhunderts und von Künstler*innen, die mit der École de Paris verbunden waren. Mich interessieren besonders Arbeiten, die sich mit Fragen von Identität, Modernisierung und kulturellem Dialog auseinandersetzen.
Ich fühle mich besonders zu Positionen hingezogen, die ihre Praxis zwischen Ost und West entwickelt haben und aus dieser Spannung eine eigene Bildsprache formten. Künstler wie Abidin Dino, Fikret Mualla und Fahrelnissa Zeid sind zentral für die Sammlung. In diesem Sinne erzählt die Sammlung auch eine breitere Geschichte über die Entwicklung der modernen Kunst in der Türkei und über die internationalen Netzwerke, in die diese Künstler*innen eingebettet waren.

Welche Rolle spielen Intuition, Recherche und persönliche Beziehungen beim Aufbau Ihrer Sammlung?
Intuition ist oft der Ausgangspunkt. Ein Werk spricht mich an, manchmal unmittelbar, bevor ich vollständig artikulieren kann, warum. Aber im Laufe der Zeit habe ich gelernt, diese Intuition mit Recherche zu verbinden. Wenn mich ein Werk bewegt, überstürze ich nichts. Ich frage: Wer ist der Künstler? Was sagt dieses Werk im Kontext seiner Praxis oder in der Kunstgeschichte?
Auch persönliche Beziehungen spielen eine wichtige Rolle. Begegnungen mit Künstler*innen, Kurator*innen und anderen Sammler*innen vertiefen das Verständnis und schaffen einen Kontext, der weit über das einzelne Objekt hinausgeht. Diese Kombination aus Instinkt und Wissen hilft mir, langfristig bedeutsame Entscheidungen zu treffen. Geschmack entwickelt sich. Wissen vertieft ihn. Aber Intuition – das ist der Funke. Ohne sie wird Sammeln transaktional.

Welcher Moment war für Sie als Sammler besonders herausfordernd oder prägend?
Ein besonders prägender Moment war, als ich ein Werk, das ich zutiefst liebte, an eine große Museumsausstellung verlieh. Es gibt ein ganz bestimmtes Gefühl, wenn ein Werk, mit dem man jahrelang gelebt hat, plötzlich die eigenen Hände verlässt. Zunächst fühlte es sich wie ein Verlust an und ich zögerte, weil das Werk Teil meiner emotionalen Landschaft geworden war.
Aber die Erfahrung erinnerte mich daran, dass Sammeln nicht Besitz bedeutet, sondern Treuhänderschaft. Menschen dabei zuzusehen, wie sie sich damit auseinandersetzen, Fragen stellen, berührt werden – das überwog das Gefühl des Loslassens. Kunst gewinnt Bedeutung durch Begegnung.
Eine weitere Herausforderung war es, Trends zu widerstehen. Die Kunstwelt kann laut sein, aber ich habe gelernt, meinen Instinkten zu vertrauen und das zu sammeln, was mich emotional und intellektuell anspricht. Diese Disziplin hat die Integrität meiner Sammlung geprägt.

Wie würden Sie die aktuelle Kunst- und Sammlerszene in Istanbul und der Türkei heute beschreiben?
Die Kunstszene in Istanbul und der Türkei ist lebendig, aber komplex. Das Interesse an zeitgenössischer Kunst wächst und wir sehen mehr Ausstellungen, Messen und Dialog, was ermutigend ist.
Aber das Sammeln wird hier manchmal missverstanden. Für manche gilt es immer noch als Trend oder soziale Währung. Echtes Sammeln erfordert Engagement, Recherche und Verantwortung – nicht nur gegenüber dem Kunstwerk, sondern auch gegenüber dem Künstler und der Öffentlichkeit.
Es gibt klare strukturelle Lücken. Viele Sammlungen bleiben privat und undokumentiert, was Zugang und Sichtbarkeit einschränkt. Was fehlt, ist stärkere institutionelle Infrastruktur und nachhaltige öffentliche Beteiligung. Ich träume von einem Museum in Istanbul, das mit dem Pompidou mithalten kann und nicht nur in der Größe, sondern in der Vision.
Die größte Stärke der Türkei ist ihr künstlerisches Erbe, von der Paris Ekolü bis zu zeitgenössischen Stimmen. Das Talent ist da. Was wir jetzt brauchen, ist mehr Infrastruktur, mehr Bildung und mehr Großzügigkeit.

Welchen Missverständnissen über das Sammeln begegnen Sie am häufigsten?
Das häufigste Missverständnis ist, dass es beim Sammeln primär um Wohlstand oder Status geht – dass Sammler*innen Investoren oder Trendsetter sind. Natürlich ist der finanzielle Aspekt Teil des Kunstmarktes, aber echte Sammler*innen werden von Leidenschaft, Neugier und einer tiefen Verbindung zur Kunst angetrieben.
Ein weiteres Missverständnis ist, dass Sammeln von Natur aus egoistisch ist. Ich sehe es als etwas, das Gemeinschaft und kulturellen Wert schafft, wenn Sammler*innen ihre Werke zugänglich machen, Künstler*innen unterstützen und mit Institutionen zusammenarbeiten. Eine Sammlung, die nicht gesehen wird, ist nur private Selbstgefälligkeit. Kunst verdient es zu atmen, zu inspirieren.

Wie sehen Sie die Rolle von Sammler*innen im heutigen Kunstsystem?
Sammler*innen spielen eine entscheidende Rolle, die über das bloße Erwerben von Werken hinausgeht. Wenn Sie Künstler*innen unterstützen, besonders zu Beginn ihrer Karriere, ist das ein Vertrauensbeweis – es heißt: „Ich glaube an deine Vision, und ich möchte, dass andere sie auch sehen.”
Aber Unterstützung geht über den Kauf hinaus. Es bedeutet, Werke an Ausstellungen zu verleihen, Künstler*innen mit Kurator*innen bekannt zu machen, Sichtbarkeit aufzubauen, Werke ordnungsgemäß zu bewahren und sicherzustellen, dass sie Teil einer größeren Erzählung sind. Sammler*innen können Risiken eingehen, die Institutionen manchmal nicht eingehen können, indem sie aufstrebende oder experimentelle Positionen unterstützen.
Gleichzeitig müssen Sie verantwortungsvoll handeln und nicht einfach kaufen, um zu besitzen, sondern Kunst mit der Öffentlichkeit teilen. Sie können Brücken zwischen privater und institutioneller Sphäre bauen durch Leihgaben, Ausstellungen oder Schenkungen. Letztlich sind wir Treuhänder. Wir halten diese Werke vorübergehend, aber ihr Vermächtnis gehört der Öffentlichkeit.

An welche öffentlichen Institutionen haben Sie Werke geschenkt und wie kam es dazu?
Ich habe Werke an das Metropolitan Museum of Art in New York und an Istanbul Modern geschenkt, weil ich glaube, dass Kunst in der öffentlichen Sphäre leben sollte. Konkret habe ich Arbeiten von Gülay Semercioğlu und Elif Uras an das Met sowie ein Werk von Albert Bitran an Istanbul Modern übergeben.
Wenn ein Werk Teil einer Museumssammlung wird, erhält es neues Leben – es wird Student*innen, Forscher*innen und einem breiteren Publikum zugänglich. Schenkungen stellen sicher, dass Kunstwerke langfristig bewahrt werden und Teil eines größeren Dialogs bleiben. Sie sind auch eine Art, etwas zurückzugeben und Institutionen zu unterstützen, die Bildung und kulturelles Verständnis fördern.

Öner Kocabeyoğlu
Papko Art Collection

💻 www.papkoartcollectio.com

📸 IG: papkoartcollection and onerkocabeyoglu