Kalkulation als Form der Kunst – Interview mit Norimichi Hirakawa

In der Welt der zeitgenössischen Kunst gibt es nur wenige Künstler, denen es gelingt, die reiche Geschichte traditioneller Praktiken mit dem kühnen Geist moderner Experimente so zu verbinden wie Norimichi Hirakawa. Hirakawa ist bekannt für seine äußerst komplexen, zum Nachdenken anregenden Werke, die das Zusammenspiel zwischen natürlichen Elementen und menschlichem Eingreifen erforschen, und hat ein Publikum auf der ganzen Welt in seinen Bann gezogen. Sein einzigartiger Ansatz verbindet eine raffinierte Liebe zum Detail mit einer umfassenderen Meditation über die Komplexität der Zeit, der Natur und der Existenz selbst. In diesem Interview erfahren wir mehr über Hirakawas kreativen Prozess, seine künstlerischen Inspirationen und die tiefgreifenden Themen, die sein innovatives Werk bestimmen. Lesen Sie mehr über den Hauptkünstler des anonymous art projects für die diesjährige Art Düsseldorf.

Ihre Arbeit bewegt sich an der Schnittstelle von Kunst, Technologie und wissenschaftlicher Forschung. Was hat Sie ursprünglich dazu bewegt, mit Berechnungen und Daten als künstlerischem Material zu arbeiten? Gab es einen entscheidenden Moment in Ihrer Karriere, in dem Sie erkannten, dass dies Ihr Medium ist?

Nein, ich glaube, das geschah schrittweise.

Die Textur oder vielleicht die Berührung von Dingen, die auf der Grundlage eines Algorithmus erzeugt wurden, hat immer das gleiche Gefühl oder den gleichen Sinn. Unabhängig davon, ob es sich um natürliche Phänomene handelt oder nicht, gibt es etwas, das der Mensch mit seinem Körper und seinem Geist nicht erzeugen kann. Ich mag dieses Gefühl.

Wie sehen Sie die Berechnung als Kunstform, und welche Rolle spielt sie in Ihrem kreativen Prozess? Welche Art von Berechnungen verwenden Sie?

Ich habe kürzlich mit zellulären Automaten mit hexagonalem Gitter gearbeitet. Ich habe mich auch mit Gravitationssystemen, hochdimensionalen Geometrien, positiver Rückkopplung in irrealen physikalischen Systemen und Zahlenbasisumwandlungen beschäftigt. In den meisten Fällen gibt es keinen spezifischen Namen für diese Berechnungen, weil sie für praktische Zwecke nicht besonders nützlich sind. Dennoch verraten sie etwas, das ich nicht vorhersagen kann, solange ich das Programm nicht ausführe. Es ist schon etwas seltsam: Ich kann programmieren und erklären, was berechnet wird, aber ich kann das Endergebnis nicht vorhersehen. Nicht immer klappt das auch gut.

Wie sehen Sie die Beziehung zwischen dem Computer und dem Künstler, wenn Sie mit Technologie arbeiten? Ist die Berechnung nur ein Werkzeug, oder spielt sie eine aktivere Rolle bei der Gestaltung Ihrer Kunst?

Es gibt zwei Möglichkeiten, mit dem Computer zusammenzuarbeiten. Die eine ist die Verwendung von Anwendungen wie Malprogrammen, Fotobearbeitungssoftware und 3D-Modellierungsprogrammen. Bei diesem Ansatz verwenden wir den Computer als eine Art Simulator für die Werkzeuge in der realen Welt. Wir interagieren mit ihm über eine Maus, eine Tastatur, ein Stifttablett oder ein Head-Mounted-Display – all dies sind nur Erweiterungen unserer Hände oder unseres Körpers. Wir bezeichnen die Hauptschnittstelle des Betriebssystems immer noch als „Desktop“, auch wenn es natürlich keinen wirklichen Schreibtisch im Computer gibt.

Die andere Möglichkeit ist das Programmieren, und das ist es, was ich tue. Das ist der Weg, unser Gehirn zu erweitern, nicht unseren Körper. Einen Algorithmus zu erstellen, um ein Kunstwerk zu erzeugen, ist in gewisser Weise eine Externalisierung der künstlerischen Identität. Traditionell wurde die Kunst von Menschen geschaffen, aber heute wird diese Idee bereits in Frage gestellt. Das bringt uns dazu, über KI nachzudenken. Und deshalb habe ich gesagt, dass es zwei Wege gibt. Ich brauche mehr Zeit, um die Möglichkeiten zu ergründen, aber ich bin mir ziemlich sicher, dass die eigentliche Frage zu Kunst und KI nicht die Schaffung von Kunstwerken ist, sondern der Betrachter. Selbst wenn die KI etwas wirklich Bemerkenswertes schafft, können wir es nicht einmal bemerken, es sei denn, wir können den Wert erkennen, den wir bereits darin sehen. Das heißt, die Grenzen der KI sind eigentlich die Grenzen des Menschen.

Ihre Arbeit beschäftigt sich oft mit tiefgründigen philosophischen Fragen über Zeit, das Universum und das Selbst. Wie haben Sie begonnen, sich mit diesen Themen zu beschäftigen, und widersprechen Ihrer Erfahrung nach Daten jemals dem menschlichen Verständnis?

Auf die erste Frage habe ich keine Antwort. Aber um etwas zu programmieren und zu erschaffen, muss man verstehen, wie es funktioniert, auch wenn man nicht weiß, warum man es erschafft. Selbst wenn man es nicht vollständig versteht, muss man eine gewisse Logik hinter dem Ergebnis seiner Kreation vermuten. Ich meine, wenn ich programmiere, muss ich über all die unbestreitbaren Dinge in der realen Welt nachdenken.

Zur zweiten Frage: Was genau bezeichnen wir als „Daten“? Daten sind in Materie gespeicherte Informationen. In diesem Sinne enthält alles, was physisch existiert, Daten. Zugleich können Daten nicht ohne Materie existieren. Selbst wenn wir auf die „Cloud“ zugreifen, schweben die Daten nicht in der Luft, sondern sind physisch auf einem Server irgendwo auf der Erde gespeichert.

Wie wir alle wissen, bestehen Daten aus 0en und 1en. Aber ohne die richtige Methode, sie zu interpretieren, sind sie bedeutungslos – wie ein Stein in einem Computer. Raumfahrtagenturen wie die ESA oder das DLR stellen zum Beispiel digitale Höhenmodelle des Mars zur Verfügung. Wenn man weiß, wie man die Daten entschlüsselt, kann man eine sehr detaillierte Oberfläche des Mars rekonstruieren. Aber wenn man das nicht kann, sind es nur Gigabytes von unlesbaren Bytes.

Sie haben an einem Aufenthalt am Kavli Institute for the Physics and Mathematics of the Universe (IMPU) an der Universität Tokio sowie am ALMA-Teleskop in der chilenischen Atacama-Wüste teilgenommen. Können Sie uns mitteilen, wie die Erfahrung der Arbeit in verschiedenen Umgebungen Ihr Verständnis von Kunst geformt und Ihren Schaffensprozess beeinflusst hat?

IPMU und ALMA sind beide Extreme der Wissenschaft, aber das eine konzentriert sich auf Theorien und das andere auf Beobachtungen. Es sind im Wesentlichen zwei Enden der Physik. Im IPMU gibt es riesige Tafeln und Whiteboards, aber wenig zu sehen, außer man spricht mit den Leuten. Aber die meisten Forschungsarbeiten sind sehr abstrakt, und ich verstehe meistens nicht einmal, was sie lösen. Die Fragen selbst gehen weit über mein Wissen hinaus. Und bei ALMA, das sich auf 5.000 Metern über dem Meeresspiegel befindet, geht es buchstäblich über die Grenzen meines Körpers hinaus. Ich brauchte eine Sauerstoffflasche, um zu atmen. Die Größe der über die Wüste verteilten Antennen und die Präzision ihrer Anordnung liegen beide jenseits der menschlichen Vorstellungskraft, das eine ist zu groß, das andere zu fein.

Auf unterschiedliche Weise liegen sie jenseits meiner Grenzen, aber ich habe es erlebt. Manchmal können wir nichts anderes tun als erleben. Wir haben diese Art von Gefühl, wenn wir einem herausragenden Kunstwerk tatsächlich begegnen.

Ich habe beide Orte geliebt, weil ich als Künstler beides gleichzeitig mache – konzeptionelles Denken und Technik. Ich respektiere die Menschen, die ich an beiden Orten getroffen habe, die die Extreme vorantreiben.

Ihre letzte Einzelausstellung war “circular piece (of the space time)” im Omotesando Crossing Event Space in Tokio im vergangenen Jahr. Können Sie uns mehr über diese groß angelegte Installation erzählen?

Es war eine sehr schwierige Ausstellung. Die Herausforderung bestand darin, dass der Veranstaltungsort nur ein Parkplatz in der Nähe einer der verkehrsreichsten Kreuzungen in Tokio ist, mitten in der Konsumwelt voller großer, greller Werbung. Das meiste in der Umgebung war unkontrollierbar.

Ich sprach mit der Kuratorin, und sie schlug vor, etwas zu präsentieren, das einen längeren Zeitraum umfasst als die Stadt. Sie erkennt diese Art von Sinn in meiner Arbeit immer. Ich beschloss auch, nichts zu zeigen, was ich jemals in Museen oder Galerien ausgestellt hatte, sondern etwas, das ins Auge sticht und keine bestimmte Bedeutung hat. Das ist das komplette Gegenteil von Werbung, die eine klare Botschaft des Werbenden vermitteln soll. Ich habe einfach verschiedene visuelle Materialien gemischt, die rund sind, wie z. B. die Projektion einer hochdimensionalen Kugel, Zeitrafferaufnahmen von 360-Grad-Kameras, Insekten, die um eine Lampe herumfliegen (etwas, das man im Zentrum von Tokio nur selten sieht), alles nur, um Aufmerksamkeit zu erregen. Es war schon ein wenig ironisch, dass die Leute auf dem Weg zum Einkaufen stehen blieben und nur auf eine unbekannte Kugel starrten, wie Insekten um eine Lampe. Es gab absolut keine beabsichtigte Botschaft, aber die visuelle Erfahrung selbst wurde zu einer Art Geschenk für sie.

Wie stellen Sie sich die Zukunft von Kunst und Technologie vor, und wo sehen Sie sich in dieser Entwicklung?

Es wird nichts Besonderes passieren. Die Technologie wird immer vom Militär und manchmal von medizinischen Bedürfnissen angetrieben, aber nicht von der Kunst.

Es gibt immer noch viele grundlegende Fragen, die schon seit langem gestellt werden. Zum Beispiel: Was ist Zeit? Was ist Bewusstsein? Warum existiert etwas und nicht nichts? Ich glaube nicht, dass wir diese Fragen beantworten können, auch nicht mit fortschrittlicher Technologie, aber wir können sie zumindest in einer anderen Form neu formulieren.

Norimichi Hirakawa ist mit anonymous art project auf der Art Düsseldorf 2025 vertreten. Weitere Informationen über unsere japanischen Positionen – coming soon!